Lukas Dhont vio a un niño hablando con sus amigos durante un trayecto entre Amberes y Gante. No pudo dejar de observarlo y se atrevió a preguntarle si querría hacer cine. Aquel encuentro inesperado terminó dando rostro a una de las películas europeas más emocionantes de 2022.
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Léo y Rémi, dos adolescentes inseparables, afrontan las miradas y expectativas que surgen al cambiar de etapa escolar. Lukas Dhont convierte una amistad juvenil en una película de gestos, miradas, silencios y campos de flores, con dos intérpretes debutantes elegidos tras un proceso de casting inusual.
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El casting fortuito, los ensayos, los secretos de las flores y las decisiones de Lukas Dhont. Sin revelar el giro central de la historia.
Lukas Dhont viajaba entre Amberes y Gante cuando vio a un muchacho conversando animadamente con sus amigos. Se acercó a preguntarle si quería participar en un casting. Aquel niño era Eden Dambrine, el futuro Léo.
El encuentro ferroviario no significó un contrato inmediato: Dhont sometió al muchacho a las mismas pruebas que al resto de candidatos para comprobar si podía sostener la película.
El director contó que valoraron aproximadamente 750 aspirantes en el proceso de búsqueda de los dos protagonistas, muchos sin experiencia profesional.
Dhont buscaba actores por escuelas y talleres de Bélgica. Descubrió a Gustav De Waele durante una actividad teatral y le invitó a continuar las pruebas de selección.
En un taller con una treintena de aspirantes, Eden y Gustav conectaron espontáneamente. El director consideró esencial aquella complicidad en una historia sostenida por la amistad.
Antes de cerrar el reparto, Dhont les permitió conocer el texto completo y hablar libremente de los personajes; quería que los jóvenes decidieran si realmente deseaban contar esa historia.
De enero a julio de 2021, los protagonistas trabajaron con el director para desarrollar confianza y comprender las emociones, sin limitarse a memorizar diálogos.
Tras aquella primera lectura, Dhont les aconsejó no estudiar sus aproximadamente noventa páginas como si fueran una lección. Quería que hablaran con naturalidad y completaran con palabras propias lo que recordaban.
El guion contenía un relato elaborado sobre un niño que caía en un agujero negro. Eden le dijo al director que jamás lo contaría así y propuso una historia de un pato y un lagarto que viajaban y saltaban en una cama elástica.
Dhont explicó que introdujo la cámara progresivamente, para que los actores dejaran de percibirla como un elemento extraño y pudieran moverse con naturalidad.
Encontrar dos intérpretes en un momento preciso de la adolescencia planteaba un riesgo: el director temía que cambiaran demasiado físicamente antes de acabar la película.
Antes de estructurar la historia, Dhont imaginó a dos niños corriendo entre flores. Recordaba los campos cercanos al pueblo flamenco donde había crecido.
El director los concibió como símbolo de libertad, fragilidad y paso del tiempo: al cambiar la floración y llegar la maquinaria, el paisaje muestra transformaciones que los personajes no pueden expresar.
El equipo necesitaba filmar en verano y otoño para registrar las transformaciones reales de los campos. La organización resultó delicada porque los jóvenes actores también cambiaban con rapidez.
Dhont contó que su madre, profesora y pintora aficionada, utilizaba tonos expresivos. Ese recuerdo influyó en la importancia dramática de los colores de Close.
El director eligió ese deporte por su relación con determinadas ideas de masculinidad. El casco y la rejilla cubren el rostro de Léo y transforman visualmente su vulnerabilidad en protección.
Dhont imaginó una bandada avanzando al unísono como metáfora de los jugadores de hockey. Finalmente descartó aquel plano, pero conservó la idea visual del grupo como una masa uniforme.
El libro Deep Secrets, de Niobe Way, sobre la amistad entre adolescentes, ayudó al cineasta a comprender cómo cambia el lenguaje afectivo de muchos chicos al crecer.
Antes de escribir, Dhont regresó a su antigua escuela primaria. El encuentro con una profesora le hizo reflexionar sobre las presiones que sintió cuando era pequeño.
Dhont explicó que reconocía aspectos de su propia experiencia en Léo y Rémi. No son retratos literales de amigos reales, sino personajes que condensan emociones que conocía.
En una entrevista para BFI recordó que abandonó la danza a los trece años por vergüenza. Esa relación con el movimiento explica por qué concibe varias escenas casi como coreografías.
La primera propuesta era We Two Boys Together Clinging, tomado de un cuadro de David Hockney basado en un poema de Walt Whitman. Finalmente eligieron la palabra Close.
Dhont explicó que Close alude a la intimidad de los protagonistas, pero también a la idea de estar encerrado o no poder mostrarse tal como uno es.
La referencia a We Two Boys Together Clinging permitió conectar la ternura física de los personajes con una tradición artística que representa los vínculos entre hombres.
La dirección de fotografía quedó en manos de Frank van den Eeden, encargado de convertir los cuerpos, la luz y los espacios naturales en parte del relato emocional.
El compositor francés trabajó en una historia donde los silencios y sonidos cotidianos son tan relevantes como las piezas musicales.
La película recibió el Grand Prix del Festival de Cannes de 2022, un reconocimiento extraordinario para el segundo largometraje de Lukas Dhont.
Bélgica la presentó a los premios de la Academia y acabó entre las cinco nominadas a mejor película internacional en la ceremonia de 2023.
Girl, estrenada en 2018, obtuvo la Cámara de Oro al mejor debut. Close fue el segundo largometraje del director, que regresó al festival con una historia muy diferente.
Cuatro claves documentadas de un rodaje construido desde la confianza.
Dhont planteaba preguntas a Eden y Gustav sobre cada decisión de los personajes y escuchaba sus respuestas para ajustar los diálogos y matices.
La introdujeron en los ensayos después de un tiempo de convivencia para que los dos jóvenes no se cohibieran durante el rodaje.
Los cambios de color, la recogida de las flores y el avance de las estaciones no podían fabricarse en un solo día: exigían programar bloques separados.
La dirección utiliza correr, abrazarse y practicar hockey para expresar aquello que los personajes no consiguen explicar con palabras.
Dhont buscaba a su protagonista entre cientos de adolescentes cuando, durante un viaje entre Amberes y Gante, reparó en un niño que hablaba con gran expresividad. Era Eden Dambrine. El director temió arrepentirse si no se presentaba; se acercó y le preguntó si quería probar suerte en el cine. No lo contrató allí mismo: Eden se incorporó a un largo casting en el que coincidió con Gustav De Waele. La conexión espontánea entre los dos convenció al director de que podían sostener una historia sobre la amistad. Llegaron seis meses de ensayos y conversaciones, en los que Dhont también les permitió modificar matices del guion. La anécdota está contada por el cineasta en entrevistas a Los Angeles Times y TheWrap.
Por cómo transforma cosas aparentemente sencillas —dos amigos corriendo, una mirada de incomodidad, un casco deportivo o un campo de flores— en lenguaje cinematográfico. También por la naturalidad de dos protagonistas que debutaban en la gran pantalla y por la manera respetuosa de retratar una etapa de la vida marcada por las expectativas ajenas.
Otras historias de crecimiento y emociones filmadas con sensibilidad.
La convivencia y los afectos inesperados en una etapa decisiva de la juventud.
Leer curiosidades
Curiosidades contrastadas mediante entrevistas directas a Lukas Dhont, documentación de BFI y conversaciones con los intérpretes. Sin utilizar listas de trivia de IMDb ni presentar interpretaciones personales como hechos de rodaje.
Última revisión: 14 de octubre de 2026. Criterio: se han evitado los detalles del giro argumental para preservar la experiencia del espectador.