Cuando leyó el guion de Yo, Tonya, la actriz no conocía a la patinadora ni el escándalo de 1994. Creyó que Steven Rogers había imaginado aquella historia. Después tuvo que interpretarla y producir una película donde los protagonistas reales ni siquiera se ponían de acuerdo sobre lo ocurrido.
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Tonya Harding rompió las expectativas del patinaje artístico estadounidense con su potencia técnica, pero terminó convertida en el rostro de un escándalo mediático tras la agresión sufrida por Nancy Kerrigan en 1994. Craig Gillespie y el guionista Steven Rogers construyeron Yo, Tonya a partir de testimonios enfrentados. La película dramatiza esos relatos: sus escenas no deben tomarse como una reconstrucción probada de cada suceso.
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El guion nacido de testimonios enfrentados, los meses sobre el hielo y los efectos que completaron los saltos.
Al leer el guion, la actriz australiana no sabía quién era Tonya Harding ni conocía el caso de Nancy Kerrigan. Contó que interpretó los personajes y los giros del relato como invenciones especialmente extravagantes de Steven Rogers.
Rogers decidió investigar a Harding después de ver un documental de la serie 30 for 30. La versión que recordaba de los titulares no le bastó y quiso escuchar directamente a quienes habían protagonizado la historia.
Al buscar los derechos de la historia, el guionista encontró un contacto del representante de Harding. Contó en un coloquio de Film Independent que llamó al número y resultó ser un Motel 6. Aun así, siguió adelante.
Rogers localizó a la ex patinadora y pasó dos días escuchando su versión. Después consiguió hablar también con Jeff Gillooly, su exmarido, que había dado pocas entrevistas sobre el escándalo.
Según Rogers, Harding y Gillooly recordaban sucesos importantes de forma muy distinta. Esa contradicción se convirtió en la estructura de la película: distintos personajes cuentan lo que creen que ocurrió y el espectador debe juzgar.
El guionista explicó que I, Tonya alude a I, Claudius y a la fórmula de jurar decir toda la verdad. Es una ironía deliberada para una película en la que casi nadie comparte una misma versión de los hechos.
Rogers no habló con LaVona Golden: explicó que Harding ni siquiera sabía con certeza si su madre seguía viva. Por eso la LaVona de la película no debe leerse como una transcripción de su propio testimonio.
Rogers escribió el personaje pensando en Allison Janney, amiga suya desde que estudiaron interpretación. Se empeñó en que el acuerdo para producir la película incluyera expresamente su contratación.
LaVona no se limita a participar en los recuerdos de su hija: a veces mira a cámara y cuestiona la forma en que la están contando. Rogers quería que la propia escritura fuera tan rebelde como sus personajes.
Rogers, que también produjo la película, contó que su equipo habló con cerca de cuarenta cineastas antes de elegir a Craig Gillespie. La conversación decisiva con él duró unas tres horas.
Rogers temía que una estructura contradictoria, un humor tan oscuro y la mezcla de deporte, familia y escándalo perdieran fuerza dentro de un gran sistema de producción. Por eso defendió levantarla como película independiente.
La actriz también participó como productora a través de LuckyChap. Ya estaba vinculada al proyecto cuando Gillespie entró como director, según explicó él mismo.
Gillespie dijo que, unos seis meses antes de filmar, hizo storyboards de las competiciones ambientadas entre 1986 y 1994. Eligieron movimientos reconocibles de Harding antes de decidir qué podía patinar Robbie y qué requería especialistas.
La coreógrafa Sarah Kawahara trabajó con Robbie unas dos horas al día, cinco días por semana, durante cerca de cinco meses. El objetivo era que pudiera realizar los desplazamientos y gestos de baile visibles alrededor de los saltos.
Gillespie señaló que Sarah Kawahara había creado rutinas para Nancy Kerrigan. Esa experiencia le permitió reconstruir el lenguaje de las competiciones que la película retrata.
La revista de la federación estadounidense de patinaje registró que Harding fue la primera mujer de Estados Unidos en completar un triple axel en competición, en 1991. Recrearlo para una película era mucho más difícil que repetir un salto corriente.
Robbie aprendió buena parte de la coreografía, pero Gillespie recurrió a especialistas para la velocidad de entrada y los grandes saltos. La preparación de una patinadora olímpica no podía sustituirse con unos meses de entrenamiento.
El director detalló que la película utilizó alrededor de 120 planos con efectos, incluidos 60 en los que se sustituyó digitalmente el rostro de una doble por el de Robbie. Así se integraron acciones que la protagonista no podía ejecutar.
Rogers habló de unas 260 escenas filmadas en 31 días. El relato cambia de época, pista, hogar y testimonio constantemente: el montaje debía mantener la energía sin ocultar las contradicciones.
La editora Tatiana S. Riegel explicó en un coloquio que las sutilezas aparecieron durante más de seis meses de trabajo. Para ella, cada escena funcionaba como una viñeta con una voz y un ritmo propios.
Riegel contó que prefirió no ver el documental que había inspirado al guionista. Buscaba reaccionar ante los personajes y las emociones de la película como una espectadora, sin quedar condicionada por aquel relato previo.
El estilo de entrevistas permite que un personaje niegue lo que acaba de mostrarse y que otro critique el espacio que recibe en la historia. Rogers escribió esas rupturas de forma consciente: nadie posee una versión definitiva.
Craig Gillespie explicó que Martin Maddox, interpretado por Bobby Cannavale, reúne rasgos de varios reporteros de la época. Sirve para retratar el espectáculo mediático, sin atribuir sus frases a un periodista concreto.
Según el director, el actor apareció con el bajo del pantalón remangado y los tobillos a la vista. Gillespie aprobó aquel detalle porque ayudaba a fijar el tono exagerado del personaje.
Durante la preparación llegaron al equipo unas 400 propuestas musicales. Gillespie dijo que escogía por efecto emocional: le interesaba el contraste entre la energía optimista de una canción y el caos de ciertas escenas.
El director recordó que su mujer recomendó un tema de Dire Straits que acabó entrando en la película. No todas las decisiones musicales procedieron de un plan cerrado desde el guion.
Gillespie dijo que eligió «Gloria» por lo que aportaba a una escena, no como homenaje consciente a su uso en una secuencia de patinaje de Flashdance. La coincidencia se señaló después.
Rogers recordó que en los Juegos de Lillehammer de 1994 vio por televisión a Harding pedir a los jueces una pausa por un problema con el cordón de la bota. Admitió que entonces interpretó ese momento a través de los prejuicios alimentados por la cobertura mediática.
Allison Janney ganó el Óscar a la mejor actriz de reparto en 2018. Margot Robbie fue nominada como protagonista y Tatiana S. Riegel por el montaje: tres reconocimientos para interpretación y estructura.
Rogers explicó que quería revisar cómo la televisión y los espectadores transformaron a Harding en un personaje de burla. La película cuestiona ese juicio colectivo sin pedir que se considere verdadera una sola de las versiones de sus protagonistas.
Margot Robbie relató que desconocía a Harding cuando leyó el libreto y lo tomó por ficción. Steven Rogers explicó que las entrevistas con la patinadora y Jeff Gillooly se contradecían: por eso escribió una película donde los personajes disputan el control de la historia. Craig Gillespie detalló que Robbie entrenó durante meses, mientras dobles y efectos digitales resolvían los saltos imposibles de aprender para un rodaje.
El salto de Harding en 1991 está documentado por la federación estadounidense. La película, en cambio, lo recrea con interpretación, dobles de patinaje y efectos visuales. Aprender a moverse como Tonya no significó que Robbie ejecutara ese triple axel: la propia producción explicó cómo combinó esas técnicas.
Margot Robbie leyó un guion lleno de entrevistas que se contradicen, personajes que interrumpen sus propias escenas y episodios que parecen inverosímiles. Pensó que Steven Rogers lo había inventado: no conocía la historia de Tonya Harding y Nancy Kerrigan. Rogers, sin embargo, había entrevistado a Harding y a su exmarido Jeff Gillooly. Sus recuerdos chocaban tanto que encontró ahí la forma de la película. La actriz pasó de creer que todo era ficción a entrenar durante meses para encarnar a una patinadora real; aun así, los grandes saltos necesitaron dobles y decenas de efectos digitales. La sorpresa inicial de Robbie resume el desafío de Yo, Tonya: contar un caso célebre sin fingir que una sola voz posee toda la verdad.
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Leer curiosidades →La sorpresa de Robbie al conocer la historia procede de sus declaraciones sobre la lectura del guion. El origen del proyecto, las entrevistas contradictorias, el título y el trabajo de montaje se contrastaron con el coloquio de Steven Rogers y Tatiana S. Riegel y una entrevista directa al guionista. Los entrenamientos, dobles, efectos y música proceden de la entrevista a Craig Gillespie. El triple axel de Harding se cotejó con el archivo de U.S. Figure Skating y los premios con la Academia de Hollywood. Los testimonios personales se atribuyen a quienes los dieron y no se presentan como pruebas independientes de todas las escenas.
Última revisión: 25 de septiembre de 2026.