Peter Weller llevaba meses preparando una forma de moverse. Cuando el traje llegó tarde al rodaje, descubrió que dentro de él no podía ejecutar prácticamente nada de lo ensayado.
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RoboCop parecía una película de acción sobre un policía mecánico, pero Paul Verhoeven convirtió aquella premisa en una sátira feroz sobre las corporaciones, la televisión y la privatización. Detrás quedaron un traje imposible, efectos físicos dolorosos y una batalla contra la censura.
Paul Verhoeven reconoció que al principio no entendió el guion y que fue su esposa Martine quien le señaló la historia de un hombre que pierde su identidad y trata de recuperarla. Peter Weller recordó el traje como una experiencia agotadora que obligó a reinventar al personaje. Edward Neumeier explicó que bajo la acción había una respuesta deliberada al poder empresarial y al clima político de los años ochenta.
Las decisiones, conflictos y accidentes que convirtieron una idea extraña en un clásico de la ciencia ficción.
El título y el tono le parecieron demasiado simples y estadounidenses. Su esposa Martine siguió leyendo y le hizo ver la historia humana escondida bajo el metal: la pérdida de identidad y el regreso de Murphy.
Para el director, Murphy es ejecutado como en una crucifixión, resucita convertido en RoboCop y termina caminando sobre el agua antes de vencer a Clarence. La lectura religiosa fue una intención consciente.
La versión inicial recibió la restrictiva calificación X. Verhoeven tuvo que recortar especialmente la ejecución de Murphy y la matanza de ED-209 hasta conseguir la clasificación R necesaria para estrenarla.
Weller esperaba ensayar con él durante un mes, pero no estuvo listo a tiempo. Su primer contacto real ocurrió con la producción en marcha y dejó inútil buena parte del trabajo corporal que llevaba meses preparando.
Peter Weller entrenó con Moni Yakim para combinar movimientos fluidos con paradas mecánicas. Cuando el traje bloqueó aquella coreografía, tuvieron que simplificarla hasta encontrar la presencia lenta y precisa que conocemos.
Las piezas de espuma, poliuretano y fibra de vidrio retenían el calor durante el verano de Dallas. El equipo terminó utilizando sistemas de aire frío y atendiendo constantemente a Weller entre las tomas.
Orion valoró al protagonista de Terminator, y también se consideró a Rutger Hauer. Sus cuerpos, sumados al volumen de la armadura, podían convertir al policía del futuro en una figura desproporcionada.
El visor ocultaría casi todo el rostro y la parte visible debía seguir transmitiendo humanidad. Verhoeven consideró que el perfil delgado de Weller y su expresiva mandíbula funcionaban bajo el casco.
Stephanie Zimbalist iba a interpretar a Anne Lewis, pero el inesperado regreso televisivo de Remington Steele activó sus obligaciones contractuales. Allen ocupó el puesto cuando el proyecto ya avanzaba.
Verhoeven quería alejar a Lewis de la imagen glamourosa habitual. El pelo fue acortándose una y otra vez hasta lograr una apariencia práctica que integrara al personaje entre sus compañeros de comisaría.
Kurtwood Smith vio en ellas una mezcla inquietante de intelectual y militar. En lugar del delincuente corpulento de siempre, construyó a un criminal de aspecto corriente cuya crueldad resultaba todavía más incómoda.
Clarence pega un chicle en el escritorio antes de reunirse con Dick Jones. El gesto no estaba escrito: Smith lo añadió para mostrar a un hombre que se considera encantador mientras invade y ensucia todo lo que toca.
Maquetas, prótesis y trucos físicos creados antes de que los efectos digitales pudieran resolverlo todo.
Sus edificios modernos permitían sugerir un futuro cercano sin construir una ciudad completa. Detroit solo aparece brevemente en imágenes aéreas; buena parte de sus calles pertenecen en realidad a Texas.
El edificio sirvió como base para la sede de OCP. Una pintura mate añadió decenas de plantas sobre su estructura, creando una corporación monumental mediante una composición óptica anterior a la era digital.
La detonación en Deep Ellum resultó mayor de lo previsto. Los actores se apartaron mientras Kurtwood Smith se quitaba un abrigo que había comenzado a arder; después recibieron un complemento de 400 dólares por riesgo.
La destrucción de la gasolinera parecía tan real que personas ajenas al rodaje avisaron a emergencias. El guion quería que el fuego borrase la “S” de Shell y dejara la palabra “hell”, pero el gag no quedó visible.
Phil Tippett y su equipo animaron pequeñas réplicas mediante stop-motion y las combinaron con escenarios reales. Su andar inestable fue diseñado para que pareciera una máquina poderosa que siempre está a punto de caerse.
Motores, pistones y maquinaria formaron su identidad mecánica, pero el sonido más amenazante procedía de la grabación de un leopardo. Esa capa animal convirtió al robot corporativo en una criatura imprevisible.
El productor Jon Davison grabó unas indicaciones temporales para la máquina. El resultado tenía la mezcla adecuada de autoridad y absurdo, por lo que aquella pista de referencia se convirtió en la voz definitiva.
Kevin Page fue cubierto de cargas de sangre para la demostración de ED-209. Verhoeven no quedó satisfecho y meses después reconstruyó la sala para repetir una escena que el actor describió como una sucesión de golpes.
Rob Bottin creó dos fases de prótesis para deformarlo tras el vertido tóxico. Al ser atropellado, pollo crudo, sopa y salsa ayudaron a fabricar la masa que se extiende por el parabrisas.
Parecen pesadas piezas de acero abandonadas en la fábrica, pero debían caer sobre el personaje sin destruirlo. El acabado metálico y el montaje vendieron el peso de unas estructuras preparadas para ser seguras.
La sátira, los símbolos y las decisiones que se esconden detrás de la película de acción.
La escena en la que Murphy recorre su antiguo hogar le reveló el corazón del guion. El director la veía como el regreso a un paraíso perdido: una máquina contemplando la vida humana que le habían arrebatado.
Verhoeven no buscaba transiciones suaves. Quería que las noticias y anuncios interrumpieran la narración como la propia televisión, hasta el punto de que una crítica creyó que habían proyectado un rollo equivocado.
Neumeier imaginaba una máquina entrando en una junta y disparando contra todos. La broma se convirtió en la demostración perfecta de una empresa más preocupada por vender tecnología que por sus víctimas.
OCP posee la policía, quiere reconstruir Detroit y considera a Murphy una propiedad. La victoria del héroe consiste en recuperar su nombre y actuar como persona dentro de un sistema que insiste en tratarlo como producto.
Edward Neumeier tomó impulso de Psicosis, que eliminaba a su aparente protagonista durante la historia. La muerte de Murphy rompe la película policial inicial y permite que otra obra nazca literalmente de sus restos.
Una reescritura incluyó una relación entre ambos, pero Verhoeven terminó regresando a la versión anterior. La conexión quedó basada en memoria, compañerismo y lealtad, sin convertir a Lewis en recompensa sentimental.
Una película modesta frente a los grandes espectáculos que terminó construyendo una franquicia.
Stephen Flick y John Pospisil obtuvieron el premio especial de la Academia por la edición de efectos sonoros. Pasos, servomotores, armas y metal dieron al personaje una identidad reconocible incluso con los ojos cerrados.
La Academia reconoció un trabajo técnico que iba mucho más allá del traje. El ritmo de Frank J. Urioste y la mezcla sonora ayudaron a unir sátira, terror corporal y acción sin que la película se deshiciera.
Con un coste final cercano a los catorce millones de dólares, superó los cincuenta millones en taquilla mundial. Su éxito abrió la puerta a secuelas, televisión, animación, cómics, videojuegos y un remake.
Basil Poledouris combinó una orquesta poderosa con sintetizadores electrónicos. La partitura reproduce musicalmente el conflicto central: el metal avanza, pero debajo todavía late la humanidad de Murphy.
La lectura religiosa no fue inventada por los seguidores. Verhoeven diseñó la ejecución de Murphy como una crucifixión brutal y su transformación como una resurrección tecnológica. En el enfrentamiento final, RoboCop avanza por una lámina de agua antes de derrotar a Clarence. Bajo la pistola y el acero hay un hombre sacrificado, devuelto al mundo y obligado a recuperar aquello que una corporación intentó borrar: su identidad.
RoboCop reunió stop-motion, pinturas mate, prótesis, muñecos articulados, cargas explosivas, cristales preparados y objetos de madera disfrazados de acero. La violencia exagerada no buscaba realismo puro: Verhoeven quería llevarla tan lejos que revelara el absurdo del espectáculo y provocara una risa incómoda. Paradójicamente, los recortes de censura eliminaron parte de esa exageración y volvieron algunas muertes más secas.
Peter Weller pasó meses con el mimo Moni Yakim construyendo una forma de moverse basada en gestos fluidos que terminaban en posiciones mecánicas. Debía disponer de varias semanas para adaptar esa coreografía a la armadura, pero el complejo traje de Rob Bottin llegó cuando el rodaje ya estaba en marcha. El primer día con todas las piezas, Weller fue citado de madrugada y pasó cerca de doce horas intentando dominarlo. Apenas podía ver por el visor, los guantes dificultaban agarrar objetos y la armadura no permitía ejecutar los movimientos ensayados. La frustración provocó un enfrentamiento con Verhoeven y obligó a detener la idea original del personaje. La solución fue eliminar movimientos, reducir la velocidad y convertir cada giro en una acción deliberada. El desastre que amenazó el rodaje terminó creando precisamente la forma de caminar que convirtió a RoboCop en un icono.
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