Quinientos bailarines habían ensayado durante semanas para rodar “Rock DJ” en Regent Street. La reina murió justo antes de comenzar, la filmación quedó cancelada y ningún seguro cubría aquella situación. Cinco meses después, el equipo consiguió reunir otra vez el dinero y cerró una de las calles más famosas de Londres durante cuatro noches.
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Better Man reconstruye la vida de Robbie Williams desde su infancia en Stoke-on-Trent y su entrada en Take That hasta la fama en solitario, las adicciones y la reconciliación con su pasado. Michael Gracey evita el biopic convencional representando al cantante como un chimpancé digital que nadie dentro de la película considera extraño.
La decisión del chimpancé, la captura de movimiento, las voces mezcladas y los números musicales que convirtieron un biopic en una producción de enorme riesgo.
Durante las conversaciones preparatorias, Michael Gracey advirtió que Williams se describía repetidamente como un “mono de feria”: alguien empujado al escenario para entretener mientras los demás observaban. El director decidió convertir aquella sensación en la imagen central de toda la película.
El chimpancé no pretende decir que Robbie fuera literalmente salvaje. Es la expresión de su inseguridad, de sentirse menos evolucionado que quienes lo rodeaban y de haber quedado emocionalmente detenido cuando alcanzó la fama siendo adolescente.
Gracey rechazó explicar el recurso dentro de la historia. Familiares, músicos, periodistas y parejas ven a Robbie como una persona normal. La película obliga al espectador a aceptar la metáfora sin convertirla en una broma recurrente.
Davies interpretó a Robbie mediante captura de movimiento: postura, desplazamientos, baile, gestos y buena parte de la actuación física nacen de su trabajo antes de que Wētā FX sustituyera digitalmente su cuerpo.
Williams no quería abandonar a su familia durante meses de rodaje. Su participación física se concentró en la secuencia final de “My Way”; el resto del personaje adulto y juvenil dependió principalmente de Davies.
Wētā no creó un chimpancé genérico. Los artistas estudiaron los ojos, expresiones y proporciones de Williams para que el rostro digital pudiera recordar al cantante sin dejar de funcionar como una criatura creíble.
El equipo probó múltiples grados de transformación: desde un animal anatómicamente real hasta una cara demasiado humana. Dientes, ojos, mandíbula y musculatura se ajustaron hasta encontrar un punto capaz de cantar, hablar y emocionar.
Wētā FX ya había convertido actuaciones humanas en primates digitales durante años. Better Man planteaba un reto diferente: el personaje debía integrarse en calles y conciertos reales sin pertenecer a un mundo fantástico.
El chimpancé aparece durante casi todo el metraje, pero también fue necesario reconstruir multitudes, estadios, transiciones y entornos. La cantidad de trabajo digital se acerca a la de una superproducción de fantasía.
Su experiencia mezclando drama biográfico, música y espectáculo le permitió imaginar la carrera de Williams mediante números que no intentan reproducir literalmente cada concierto, sino traducir su estado emocional.
Robbie regrabó canciones y aporta la narración, Jonno Davies sostiene la interpretación hablada del personaje y Adam Tucker añadió voces para mantener continuidad entre edades y aproximarse al timbre juvenil del cantante.
Williams le envió referencias personales para ayudarle a copiar respiraciones, ataques y maneras de frasear. El objetivo no era realizar una imitación aislada, sino conseguir que distintas voces parecieran pertenecer a la misma vida.
Gracey no quería colocar los éxitos como simples interrupciones. Varias piezas se regrabaron y reorganizaron para expresar el momento dramático concreto: euforia, dependencia, miedo, culpa o reconciliación.
La gran secuencia no se resolvió únicamente con decorados digitales. El equipo consiguió rodar en el centro de Londres, con tráfico coreografiado, escaparates, vehículos y centenares de bailarines desplazándose por la calle.
El número debía parecer una celebración que crecía sin detenerse. Intérpretes profesionales, estudiantes y figurantes se incorporan progresivamente hasta transformar la firma de un contrato discográfico en una explosión colectiva.
Como no podían cerrar la calle para ensayar, marcaron en el suelo cada bordillo, parada, papelera y tramo utilizado. La coreografía se practicó sobre aquella réplica antes de disponer de las cuatro noches de filmación.
La secuencia debía comenzar después de la semana final de ensayos. La muerte de la reina activó el luto nacional y canceló la autorización cuando bailarines y cámaras estaban preparados.
El dinero destinado a cierres, comercios y logística se perdió. Los productores tuvieron que volver a financiar la secuencia y algunos defendieron eliminarla para evitar otra inversión extraordinaria.
Tras el funeral llegaron otros actos oficiales y después la decoración navideña. Cuando la vía volvió a estar disponible, fue necesario reunir otra vez al equipo, recuperar la coreografía y cerrar los negocios durante cuatro noches consecutivas.
Las partes del escenario se rodaron en Australia, mientras que las reacciones del público se captaron durante conciertos reales de Williams en el recinto londinense. El montaje convierte materiales separados por miles de kilómetros en una única actuación.
Los asistentes habían comprado entradas económicas y acudieron vestidos para la ocasión. Parte de la audiencia de la primera función terminó demasiado animada por el alcohol, por lo que la producción dependió especialmente del material de la segunda noche.
Docklands Studios Melbourne acogió gran parte de la producción; Londres proporcionó Regent Street y el Royal Albert Hall, y otras escenas utilizaron localizaciones serbias entre Belgrado y Pančevo.
El concierto no busca reproducir solo un espectáculo real. Los críticos interiores de Robbie adoptan su aspecto en diferentes edades y transforman el escenario en una lucha física contra la culpa, la fama y la autodestrucción.
La película abandona el realismo cuando necesita entrar en la mente del cantante. El hielo, la luz y la aparición de su abuela representan el instante en que el personaje deja de intentar destruirse y acepta pedir ayuda.
El chimpancé protagonista, los conciertos, las multitudes y el largo proceso de posproducción llevaron el coste a alrededor de 110 millones de dólares, una cifra excepcional para un biopic sobre un artista con poca presencia en Estados Unidos.
La película recaudó aproximadamente 22,5 millones de dólares en todo el mundo. La escasa popularidad de Williams en Norteamérica dificultó vender una producción cuyo presupuesto exigía una audiencia internacional masiva.
Gracey sabía que muchos espectadores de Estados Unidos apenas conocían al cantante. La criatura pretendía ofrecer una entrada universal: incluso sin reconocer a Robbie, el público podía conectar con un animal obligado a actuar.
Better Man fue nominada al Óscar, al BAFTA, al Critics Choice y a los premios del gremio de efectos visuales. La industria valoró precisamente el personaje digital que había convertido la financiación en una apuesta tan arriesgada.
La Academia Australiana reconoció la película en categorías principales y técnicas, incluida mejor película. El resultado reflejó el peso de Australia en una producción que, aunque británica por historia, se construyó en gran parte en Melbourne.
Cuando el álbum llegó al número uno británico, Williams alcanzó quince discos número uno, igualando entonces el récord de los Beatles. Una película que fracasó en cines terminó generando otro hito en su carrera musical.
Robbie Williams, Michael Gracey, Jonno Davies y los responsables de Wētā FX explicaron por qué una historia humana necesitaba un protagonista imposible.
El cantante aceptó la imagen porque reconocía en ella su propio relato: un adolescente exhibido, recompensado por portarse mal y obligado a continuar actuando incluso cuando su vida privada se desmoronaba.
El director creía que el chimpancé desactivaría la comparación constante con el Robbie real. En lugar de juzgar si un actor se parecía suficiente, el público podía concentrarse en la vulnerabilidad del personaje.
Su trabajo no consistía solo en copiar gestos famosos. Debía encontrar al niño, al miembro inseguro de Take That, al artista descontrolado y al adulto que revisa su vida, manteniendo una identidad corporal reconocible.
Unos dientes demasiado animales dificultaban el canto; unos ojos excesivamente humanos rompían la criatura. El diseño avanzó mediante pruebas constantes hasta equilibrar anatomía simiesca y reconocimiento emocional.
Williams explicó que exponer adicción, depresión y vergüenza tenía sentido si alguien podía reconocer su propio dolor. La extravagancia visual protege el relato, pero no evita sus episodios más destructivos.
La gran decisión de Better Man funciona porque la película nunca se detiene a justificarla. El animal crece, baila, consume drogas, se enamora y canta ante estadios llenos mientras todos lo tratan como Robbie. La metáfora deja así de ser un truco visual y se convierte en la forma normal de contemplar su memoria.
Jonno Davies aporta el cuerpo y gran parte de la voz interpretativa; Robbie Williams presta narración, canciones, recuerdos y la captura final; Adam Tucker une etapas vocales. Wētā FX transforma después ese material en un chimpancé que debe conservar peso, contacto y expresión dentro de escenarios reales. El resultado no pertenece por completo a una sola persona: es una actuación colectiva.
Better Man reunió buenas críticas, premios australianos y una nominación al Óscar, pero su presupuesto exigía mucho más que prestigio. En Estados Unidos, el nombre de Robbie Williams no garantizaba entradas; en otros mercados, la imagen del chimpancé resultó difícil de vender. La misma apuesta que hizo única a la película también la convirtió en un riesgo económico extraordinario.
La secuencia de “Rock DJ” estuvo a un día de comenzar cuando murió Isabel II. El equipo había ensayado durante semanas con unos 500 bailarines y había reproducido Regent Street a escala real dentro de un estudio porque cerrar la calle para practicar era imposible. Todo estaba preparado para rodar cuatro noches consecutivas, pero el luto nacional canceló la autorización. No existía un seguro que cubriera la muerte de la reina: el dinero destinado a compensar comercios, organizar tráfico y movilizar al equipo se perdió. Después llegaron el funeral, los actos oficiales y la campaña navideña, bloqueando la calle durante meses. Algunos productores propusieron eliminar el número, pero Michael Gracey consideraba que aquella celebración mostraba el instante exacto en que Take That conquistaba Londres. Fue necesario conseguir nuevamente la financiación, reunir al reparto y recuperar una coreografía gigantesca. Cinco meses después, Regent Street cerró por fin durante cuatro noches y la cámara filmó a cientos de bailarines avanzando junto a un protagonista que solo existiría tras la posproducción. La escena más libre y eufórica de Better Man nació de uno de sus obstáculos más costosos e imprevisibles.
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